jueves, 20 de julio de 2017

Vídeo: Bairoa - Barlovento



Barlovento, el nuevo single de Bairoa (tecladista en Buscabulla) es más un misterio que una revelación. El vídeo nos lleva a su natal Puerto Rico, donde paisajes y escenas tropicales, ajenas a rastro de civilización, pareciesen salidos de una realidad alterna donde lo tropical y el misticismo son frutos del mismo árbol. El músico, como personaje central, deambula por estos lugares como si se tratara de un visitante ajeno al contexto, en medio de un ritual que se mantendrá siempre enigmático al espectador.

El lado musical presenta una dualidad similar a lo antes expuesto: la comunión entre lo tradicional y lo moderno. En medio de ecos producidos por la experimentación en sintetizadores corre una percusión de carácter nativo centroamericano, conviviendo ambas en armonía. La canción, casi instrumental, es más una introducción en vez de un hit pegajoso, engatusando al oyente y dejándolo con ganas de saber qué es lo que puede seguir. 

Pareciendo ser Bairoa es un hombre de misterios la respuesta a esto se tendrá al estrenarse el EP también llamado Barlovento, después de buen tiempo su primer trabajo de estudio. Solo queda esperar ver más de estos paisajes llenos de color y misticismo.


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Canción de la semana: PUTOCHINOMARICÓN - Gente de Mierda




PUTOCHINOMARICÓN es el alias de Chenta Tsai, un taiwainés que creció en Madrid vibrando con las tonadas de las Spice Girls y la escalada de pop noventero. De hecho, su meta en la vida es escribir el siguiente Wannabe, logro al que se acerca bastante con su primer single, la himnica Gente de Mierda, que nos voló la cabeza desde la primera escucha. 

Conversando con Chenta surgen nuevas lecturas a su aparente pop inofensivo, el activismo permea su propuesta que usa las estructuras del electro-pop como vehículo para destilar críticas afiladas sobre el mundo contemporáneo. En su haber tiene títulos como No tengo Wifi o Marikapikapika, ejercicios de PC Music que cumplen a cabalidad su objetivo de generar reacciones en el oyente, bien desde los necesarios pasos de baile o desde la identificación y la posterior adición a su iniciativa reivindicativa. 

Gente de Mierda es la pista más redonda de su repertorio hasta la fecha, un mensaje directo, un estribillo inolvidable y coreable, un beat marcado y punzante, la duración adecuada para querer repetirla hasta el hartazgo, muy en la onda del pop-humorístico español tipo Ojete Calor, Las Bistecs, Joe Crepúsculo, de hecho, si al terminar la escucha suena Música para Adultos identificamos la hermandad de estas canciones, dos firmes candidatas a nuestra lista de hits del 2017. 

  

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martes, 18 de julio de 2017

Canción: Empress Of - Go To Hell (el veredicto)


Parte de la redacción del blog comparte sus primeras impresiones del más reciente sencillo de una de nuestras outsiders favoritas. ¿Será que esta Go to Hell mantiene la magia de su debut?

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La propuesta musical de Empress Of sigue demostrando que el sonido de la diáspora iberoamericana va a dar frutos por un largo rato. La foto que acompaña al single, en la que Lorely Rodríguez rinde un tributo tácito al imaginario visual de artistas como Jeanette o Selena Quintanilla, habla del sutil coqueteo de su potente sonido de sintetizadores y drum machines con las raíces de la balada en español. Go To Hell es una telenovela de tres minutos; o al menos eso imagino al llegar a la frase "Jump down from your high horse / Let's talk truth". Go To Hell es una frase que, claramente, hay que reforzar con una cachetada de actriz del Canal de las Estrellas. Esperamos más de esta Empress Of que apuesta a darle continuidad a uno de los proyectos femeninos más sólidos de la escena ibero. Christian Barandica

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Go To Hell no es lo que esperaba de un nuevo sencillo de Empress Of, mucho menos después del gigante single suelto que fue Woman is a Word. Su rendición al sonido tropical y a las bondades del pop upbeat no transmiten el carácter irreverente que Lorely pretendía destilar con esta pieza too sweet para una canción contestataria. La linealidad de la mezcla me deja con ganas de más, no estoy diciendo que debió amoldarse al cliché de gritar "vete al infierno" como cualquier Avril Lavigne lo hubiese hecho, pero el efecto final del coro no trasciende y no me dan ganas de re-visitar la canción, aún cuando sus piruetas vocales y producción nos ofrecen pistas de las nuevas exploraciones de la artista. Con esto tampoco quiero decir que vayas a fallar Lorely, sigo con ganas de escuchar que nos depara Empress Of en su nueva entrega, pero esta vez creo que no le apuesto al sencillo, ya veremos que pasa con las siguientes escuchas. Will Balooni



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viernes, 14 de julio de 2017

Canción de la semana: Pamela Rodriguez - Plug & Play


Pamela Rodriguez regresa después de varios años de silencio musical. Recordemos que su última placa de estudio, el imprescindible Reconocer salió en 2011, aunque en el camino pudimos escuchar su monumental versión de I don't Wanna Grow Up de Tom Waits, y su EP de rompimiento Una Herida Hecha Luz de 2015. Caracterizada por cambiar su molde para cada lanzamiento musical, Rodriguez nos entrega en Plug & Play el manifiesto de su nueva exploración. 

Una pista de menos de tres minutos que cuenta los pormenores del sexo virtual. Echando un poco atrás descubrimos que la liberación sexual ya estaba en la baraja de temas de la limeña, Ligera Love, el single principal de su anterior disco, ya coqueteaba con esta idea aunque de manera más orgánica y naïve. En Plug & Play el acercamiento es más explicito gracias a esos "Fuck me, fuck me, que se apaga", pasando por la herejía envalentonada y la des-humanización del concepto de virtualidad: "Besos des-configurados, pixels en mi habitación, Dios es una aplicación". 

Musicalmente la aventura no puede ser menos emocionante. Comandados por un bajo afilado, a la pista se van sumando otros instrumentos que hacen su aparición estelar cual sonidos de chat calentón, todo sigue sonando orgánico y milimentricamente ejecutado para contrastar con las palabras de Pamela. Ahora sí, creo que nos hemos acabado el botón de re-play de las veces que hemos fantaseado oyendo esta canción, una pieza irreverente que no puede faltar en sus playlists del año.


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miércoles, 12 de julio de 2017

Canción: Ignacio Herbojo - Ocaso




Ignacio Herbojo fue una de nuestras apuestas en Adolescente Perpetuo, el tributo a Esquemas Juveniles de Javiera Mena que veía la luz de sus pantallas el año pasado. 

Su retoma de Sol de Invierno fue uno de los riesgos más grandes de este disco, en su moment nosotros no pudimos hacer más que celebrar la valentía del músico argentino que también se estrenaba en el formato banda con esta canción. 

Hoy nos llega Ocaso como adelanto de Terremoto, su segundo disco, después del autoproclamado Solo (2013), una canción que retoma el formato presentado en el tributo con mejoras significativas en la formación y en la producción, un momento rock con desgarros pop, que encuentra puntos altos en el desarrollo vocal de Herbojo y en los aportes de los instrumentos que construyen este híbrido que parece ilustrarse a la perfección con las animaciones en 3D de su vídeo de acompañamiento.

Esperamos no tener que esperar hasta el siguiente ocaso para descubrir completo el nuevo disco de Ignacio, desde ya, una de nuestras apuestas del segundo semestre.


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martes, 11 de julio de 2017

Canción: La Bien Querida - 7 Días Juntos + Dinamita (el veredicto)



Fuego el nuevo disco de La Bien Querida ya tiene dos sencillos para ir saboreando hasta su lanzamiento previsto para el 06 de octubre. Mientras nos llegan nuevos adelantos del disco, parte de nuestra redacción evalúa este lanzamiento doble que introduce uno de nuestros discos más anticipados en lo que resta del año.

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No es la primera vez que con perplejidad escucho una nueva canción de La Bien Querida, hace ya algún tiempo, en Ceremonia (2012) supo sacudir las bases mismas de su propuesta musical y entregar una brillante aleación entre canción romántica y new wave. Este año, su curiosidad la arrastra a otra orilla, al parecer la de una tierra tropical. Podría decirse que 7 día juntos representa muy bien la idea europea del ritmo latino, allí, LBQ se esfuerza en la construcción de una melodía coqueta, entre reggaetón y cumbia, con una letra que aunque maravillosa parece no adherirse con gracia a su experimento. Aparece entonces la voz de un Joan Miquel Oliver (desconocido hasta ahora) para apaciguar cualquier duda, pues él, más que ella a primer juicio, conecta con la intención festiva. Repito la canción y no parece ya tan disonante, un par de escuchas más y estaré bailándola como un éxito de La Factoría.

El lado B de aquel pasaje tropical es un absoluto contraste. Instalada en una melodía orquestal, LBQ alcanza la ritualidad en un manifiesto de amor propio y búsqueda incesante. Canción para cerrar los ojos: "Voy a tomar el camino equivocado, voy a salirme de la trayectoria", "Y es que siento como si toda mi vida me hubiera estado conduciendo a este preciso momento", cómo no suspirar y reconocerse en las palabras que se repiten como una oración, cómo no estar la espera de una gran revelación. Camilo Castaño


7 Días Juntos coquetea con beats latinos, quizá la faceta más bailable de la Bien Querida que en su haber ya ha coqueteado con géneros como el krautrock, el flamenco y la electrónica. Una canción con más peros que sís. Primero unos sintes intrusos que convierten los beats más elevados en una especie de caos emocional, luego está la letra que tampoco logra engancharme del todo, la falta de un coro contundente y pegajoso tampoco anima la escucha que se vuelve un poco tediosa hasta el minuto 4 cuando hace su aparición gloriosa Joan Miquel Oliver con un estribillo contundente que logra cautivarme y a la postre volverme un adicto al desenlace de esta historia de 7 días: "Adiós luna llena, siempre serás, serás mi estrella".

Dinamita, por su parte, encaja de inmediato en la discografía de LBQ, un medio tiempo de órganos pronunciados que cómo anuncia la letra parece conducirnos a un momento especifico, a este preciso momento, aquí la suerte parece sonreírnos; me dejo llevar por la calma de este micromomento de tensión descrito por la canción, sabiendo que estoy ante un sí rotundo que anima mi espera por el nuevo disco de la española. Will Balooni


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jueves, 6 de julio de 2017

Vídeo: Los Besos - Helados Verdes



Hace poco más de una semana Los Besos nos presentaron Helados Verdes, un disco corto que prolonga las hazañas de estos argentinos que vienen construyendo un cancionero coherente desde el lanzamiento del EP doble 1 y 2 (2013). Helados Verdes es la continuación de Un disco de Los Besos, que el año pasado se colaba entre nuestra colección de joyitas discográficas recomendadas. 

Sobre el nuevo material ya tendremos tiempo de hablar largo y tendido, porque lo que nos reúne en este post es el lanzamiento del primer vídeo clip de la banda. La elegida es la canción que da nombre al nuevo disco, una balada aderezada con trompetas que va cobrando nuevos significados con cada escucha.

Michelle Gualda dirige esta hermosa pieza que nos gana por la simpleza de su puesta en escena, su ambientación y actuaciones, al punto de convertirse en una experiencia multisensorial entrañable. "Es... tan difícil encontrar palabras" dice la actriz Miyamura Tomoko en el momento más alto del clip, luego de un encuentro inesperado que deja al espectador con más preguntas que respuestas, siendo testigos de una epifanía provocada por los sentidos más directos. Un misterio develado en un lugar común y corriente, poesía desde lo cotidiano, así mismo vamos descubriendo la nueva colección de Los Besos, con una de las mejores piezas audiovisuales que hayamos visto este año. 


Descarga: Helados Verdes
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miércoles, 5 de julio de 2017

Vídeo: A.CHAL - To The Light



A.CHAL vive en medio de dos mundos. Quien lo escuche notará la convivencia entre hedonismo y espiritualidad en cada una de sus rimas, características que responden más a un conjunto de experiencias de vida que a un personaje para su puesta en escena. Es de este modo que tanto su incursión en, la a veces tóxica, vida nocturna en Los Ángeles y sus raíces en el Perú rural encuentran comunión pese a las distancias físicas y culturales.

En To The Light encontramos un gran ejemplo de lo expuesto anteriormente, un escape narcótico del mundo materialista a favor del amor propio (“I said I found a way, to that light / Ah, fuck the money, I found the light”). El vídeo promocional de la canción expande la idea, donde un A.CHAL hundido en sus propios demonios, representados por la iluminación verde, encuentra la redención en medio de alucinaciones del desierto e iconografía religiosa.

El vídeo termina con un extracto de la participación de A$AP Nast, otra canción perteneciente al mixtape ON GAZ, reciente lanzamiento del peruano en donde explora más a fondo esta dinámica propia de la lucha constante que es la vida.


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jueves, 29 de junio de 2017

La Lá - Zamba Puta (2017)


Entre los lanzamiento de Rosa y "Zamba Puta" ha pasado poco más de tres años, tiempo en que la popularidad de La Lá, Giovanna Nuñez de nacimiento, ha crecido quizás mucho más de lo que ella pudo haber imaginado. Pese a que sus inquietudes musicales se vinculan con géneros cada vez de menor usanza en la música popular (vals, jazz, bossa nova, etc), canciones suyas, como Animales o Salchipapa, curiosamente han ocupado espacio en compilatorios y playlists destinados a ritmos modernos (véase todo lo catalogable como indie hoy en día).

Para el resto de Latinoamérica puede que el primer acercamiento a La Lá esté en Invierno, perteneciente al aún divisivo álbum Estilo Libre de Gepe. Pese a la exposición ganada, la bachata en cuestión no aprovecha del todo las habilidades de la limeña, siendo más un experimento curioso que la suma de lo mejor de ambos compositores.

Por suerte ahora tenemos "Zamba Puta", producción que demuestra evolución y que va generando buena aceptación en diversas partes de Latinoamérica gracias a su rica instrumentación así como por los tópicos que La Lá decide plantear.

Al respecto, un gran indicativo sobre los temas a tratar está en el nombre de la producción, con comillas incluidas, una frase usada para denigrar a mujeres tanto por su ascendencia andina/afroamericana como por el goce de su vida sexual. La Lá expone las palabras para disminuir el aura ofensiva, caso similar a algunos otros temas presentes en la mitad del disco. Primor es el primer ejemplo notorio, donde pese a su delicada presentación, la cual podría pasar como una mera anécdota gastronómica para el oyente descuidado, esconde los peligros propios de las relaciones tóxicas y el machismo como norma de varios hogares.

Similar suerte recibe la contigua Linda Bler, ubicada a la mitad de la producción, donde el título parece hacer referencia a aquellas personas consideradas como los “monstruos de la historia” en las sociedades conservadoras. El momento destacado va por parte del hermano de La Lá, Alonso Nuñez, que, con voz pura y calmada, da vida a los pensamientos de un personaje reprimido al no poder expresar su interno sentir femenino (“Vuelvo dispuesta a matar / lo que eran mis emociones / tonterías de bruja”). Podría ser sin problemas la canción más conectada al arte de la portada, donde un personaje sin sexo definido vive tranquilamente en un paraíso natural, lejos de las juzgantes miradas urbanas.

Como si se tratara de otro acto de simetría, cerca al inicio y final de "Zamba Puta" se hallan dos casos curiosos debido al uso de distintos idiomas. Primero hallamos a Cornamenta, canción lenta en portugués donde el protagonismo se lo roba el cuerno (¿de ahí el título de la canción?) que suena en un par de ocasiones, generando una sensación añeja pocas veces escuchadas en la música actual. El segundo caso es Espejo Adolescente, donde la desnudez instrumental resalta la peculiar pronunciación que La Lá le otorga al inglés con la finalidad de amoldar las palabras según sus intenciones melódicas.

También hay espacio para otros temas importantes para La Lá, quien, siendo una persona que parece buscar una vida tranquila, vive su maternidad con felicidad y orgullo. Fruto de estas experiencias es Bebés, tema que bien podría pasar como un dulce canto de cuna que expresa el amor por sus aún pequeños hijos. Caso similar es La Felicidad, un agradecimiento póstumo a su madre en forma de vals donde la percusión de cajón peruano otorga una galopante energía que la distingue al resto de canciones. Intencionalmente o no ambas canciones son con las que se inicia y acaba la producción, como si fueran un círculo de la vida que se reaviva con cada nueva escucha.

En resumen,  quien escuche "Zamba Puta" encontrará una obra que refleja el momento actual de su creadora. Es notorio cierto temor hacia las taras de una sociedad conservadora, algo que seguro aumenta cuando se cría hijos, pero ello no opaca el amor, un sentimiento presentado del modo más puro a lo largo de la producción y poseedor de múltiples rostros a lo largo de estas nueve canciones.




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martes, 27 de junio de 2017

Vídeo: Matilda - Un amor



Tan solo unos días atrás, en la redacción de el amarillo nos maravillábamos de escuchar El río y su continuidad, el precioso álbum del dúo de electropop argentino Matilda, editado el año pasado, y lamentábamos a la vez el no habernos acercado antes, seguramente hubiese aparecido en nuestras listas del año.

Nos hemos prometido entonces reseñarlo y para empezar nos unimos a la celebración del videoclip recién estrenado para Un amor. La canción, que bien sería un poema, habla de un universo que conspira para hacer posible el encuentro, "Millones de años y organismos, en constante ebullición / para que vos, para que yo seamos amor". Su melodía inicial nos recuerda el legado de Virus, Encuentro en el río particularmente, aunque de inmediato somos arrastrados a otra orilla, una donde reina la sutileza.

El tratamiento visual, en manos del realizador Gero Bayúgar traduce el misterio de Matilda a imágenes igualmente metafóricas: nos encontramos en un cuarto repleto de agua y un techo cubierto de nubes, como la mejor de las instalaciones contemporáneas; en otro lugar, rostros cambian sus máscaras, mientras rocas volcánicas levitan y chocan entre sí.

Pero entre todo el despliegue de efectos, nosotros hemos sido hipnotizados por los pasos de baile del vocalista Juan Manuel Godoy, y ya queremos emularlos en una fiesta. Por ahora los invitamos a bailar, y amar, en sus habitaciones con esta colección de canciones.


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lunes, 26 de junio de 2017

Él Mató a un Policía Motorizado - La Síntesis O'Konor (el veredicto)



En un ejercicio inaudito para el amarillo, la redacción en pleno diseccionó cada una de las canciones del nuevo disco de Él Mató, sirviendo de radiografía y guía para entender y disfrutar uno de los lanzamientos de la temporada. He aquí nuestro aventurero veredicto de La Síntesis O’Konor.

El Tesoro es el tema que abre La Síntesis O’Konor (mi favorito de todo el álbum) y al mismo tiempo es la carta de presentación del nuevo sonido de la banda en el cual Él Mató le bajó considerablemente a los decibeles y se acercó a una musicalidad más limpia y tranquila, a la cual se han incorporado sintetizadores y exactos ritmos de batería en algunos pasajes; un nuevo acercamiento musical que recuerda el sonido lo-fi de bandas como Real Estate. 

Aun con este nuevo direccionamiento, la familiaridad con Él Mató regresa a través de la voz de Santiago Motorizado quien en esta melancólica canción suelta una preciosa letra en la cual casi todas las frases son factibles de convertirse en citas y que con palabras muy precisas recuerda la dulce ingenuidad del amor y la entrega incondicional.

La simplicidad, desnudez y honestidad con la cual Santiago habla en sus canciones es lo que ha convertido la música de Él Mató a un Policía Motorizado en el arte universal en la cual encontramos experiencias comunes del cual El Tesoro es un gran ejemplo. Arturo Ortiz


Quien haga una breve búsqueda en Youtube notará que Ahora Imagino Cosas ha sido parte del repertorio solista de Santiago Motorizado, incluso desde antes al lanzamiento del ya clásico La Dinastía Scorpio. Con la posibilidad de haber sido creada dentro del proceso creativo de este disco es fácil poder identificar a la canción como una “hermana” de algunos de los hitos en aquel período de la banda, sobre todo si se realiza una comparación a temas de rápido enganche y coros enérgicos como Mujeres Bellas y Fuertes y Chica de Oro

En cuanto a la lírica encontramos otro ejemplo del valor poético de Santiago Motorizado. De modo discreto le da un giro épico a aquellos pensamientos tensos presentes en cada rincón de la vida urbana, dejando en la intriga un futuro menos pasivo como también desesperado (“Quiero enfrentarme a todos, no me importa / cuan salvaje es la pelea, no, no me importa”).

Su posición como segunda canción de La Síntesis O’Konor resulta precisa para entender la evolución orgánica que ha vivido Él Mató, sirviendo de comunión entre el sonido conocido de la banda que amábamos y los nuevos rumbos que están por presentarse de modo creciente a lo largo de las siguientes ocho canciones. Valdomiro Valle


Homenajeando nuevamente a las interminables odiseas y misticismos del ser interior, presentes en toda su discografía, la banda nos sitúa en La Noche Eterna, cuya deconstrucción nos hunde en la dualidad donde el miedo y el pop escarchado se mezclan. El galope de la batería y el eco de las primeras cuerdas exigen atención, mientras que la letárgica entonación de Santiago ponen la seriedad del track en duda ¿realmente saldrás a buscar lo que quieres y derrumbar una casa con esa energía?

Un truco bien trabajado. Cuando el cauce de La Noche se desvía en esa pausa, entendemos que Él Mató ha utilizado una introspección fatídica para hacernos recapacitar, que aun con nuevos y leves cambios no están dispuestos a abandonar su época del jangle que explota, en este caso, con Santiago dictando: "Dame algo ésta noche, esta noche es especial / Voy a recorrer tu casa en la oscuridad". Las frecuencias energéticas en este corte las entendemos entonces como un trayecto igual que la vida misma: asumiendo miedos y derrotas (a un compás lento) para luego encontrar infinidad de estrellas en una noche eterna. Alejandro Ortiz


Alguien que lo merece es una de las canciones más cortas del LP con un uso muy austero de instrumentación (una batería muy sencilla y un par de acordes en guitarra) que viene a contribuir al efecto de letargo y lentitud de la canción en la que una triste derrota se transforma en una pesada ensoñación en la que las victorias son mejor merecidas por otros. Arturo Ortiz


¿Cuántos artefactos necesitó El Mató para componer el himno del apocalipsis? Respuesta: muchos, todos los necesarios para reproducir el último esplendor de los tonos del cielo antes de apagarse definitivamente. En Las Luces, la aparición progresiva de cada elemento sonoro reproduce los componentes de la escena que estoy a punto de describir. Una secuencia de acordes distorsionados y reverberados impone su voz de furia. La batería se apresura y responde al llamado fatal. Santiago emerge como cronista del fin de los tiempos ("En el cielo todo es rocas y lava"). La guitarra, la batería y la voz evocan a los que se congregan a contemplar cómo todo lo que los rodea se corrompe lentamente. Christian Barandica


¿Qué demonios querrá decir La Síntesis O'Konor? Una breve búsqueda en Google arroja respuestas insatisfactorias. Mientras esperamos alguna declaración de los platenses al respecto (los invito a escribirnos a contactoelamarillo@gmail.com apenas encuentren la respuesta), disfrutemos de tres minutos de un instrumental que promete convertirse en uno de los tracks más coreados en las presentaciones en vivo de El Mató (la voz de Santiago Motorizado se asoma en la segunda sección del tema con un oh, oh, oh digno de cantarlo a viva voz en el estadio). La Síntesis O'Konor nos suena a la intro de una sitcom de los '80s, una donde un grupo de amigos que viven en un pequeño pueblo de Utah descubre en el medio del bosque, por accidente, una cueva en la cual desvelarse al calor de una fogata, tomar licor barato y bailar temas de New Order que el hermano mayor de uno de ellos les pasó para que crecieran felices. Si esa sitcom existiera, La Síntesis sería su complemento musical ideal. Christian Barandica


Los primeros sintes de Destrucción auguran un avance hacia la apoteosis creativa. Es así como sigo viendo este tema después de reventarme los oídos con su cauce rítmico y sus ondas explosivas. El recurso lírico del “no me importa” emparenta esta canción con Ahora Imagino Cosas sumando cohesión al disco que nos reúne hoy. Dos estribillos nos van dejando indefensos ante un coro pegajoso que a la postre no es lo mejor de la canción. La verdadera destrucción cual desarme al oyente es la exploración sonora, los nuevos instrumentos que se vinculan al sonido característico de Él Mató, y como todos crean un ecosistema sonoro rico que da hasta para imaginarse una coreografía y permitirnos las licencias corporales que se nos antojen. Will Balooni


El puente que vincula las cenizas del amor sombrío de la cortísima Excálibur y la antesala a la liberación del Fuego. Encontramos en El Mundo Extraño un episodio flojo y extenso donde las historias en el diario juvenil no llegan a sobredimensionarse a cabalidad y tampoco dan el golpe que toda la Síntesis había venido dando en las 8 canciones anteriores. Aunque se recurra a una buena dosis de sintes, no hay un espíritu que inyecte toda la euforia del resto del disco. Sin embargo, su salvavidas lo encuentra en un coro sarcástico y agradable, pero que aun así persiste la idea de una etapa en el disco algo incómoda y longeva. Sí, es un mundo extraño. Alejandro Ortiz


Cuando El mató a un Policía Motorizado se presentó en el Hermoso Ruido (Bogotá, 2015) la canción que abría su presentación fue nada más y nada menos que la intro de Twin Peaks compuesta por Angelo Badalamenti. No supe bien si esa atmósfera inicial fue coincidencia o decisión de la banda. Esta libre asociación se repite con sus regresos: la banda de culto y la serie de culto. En Fuego y otras canciones del álbum encuentro una similitud a la nueva banda sonora de Twin Peaks, ahora compuesta por Johnny Jewel (del sello Italians do it better). 

Así, Fuego es una hermosa canción electrónica, antes que rockera, con una línea de sintetizadores que bien podría pertenecer a un disco de Chromatics. Celebro este bello experimento, que la banda abrace un sonido, por qué no femenino, y con el vigor ya conocido nos entregue otra efectiva letra "Desde el pueblo más lejano de acá, siguiéndote / Vamos, esta noche puede ser mejor, mirándote".

Hasta puedo imaginarlos siendo fichados por David Lynch para aparecer en el cierre de un capítulo, ahora que tantas bandas hacen cameos en el misterioso bar de Twin Peaks. Camilo Castaño


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domingo, 25 de junio de 2017

Canción: Populous con Ela Minus - Azul Oro



Populuous es el alias del productor italiano Andrea Mangia, un personaje extraído de un vídeo juego del 89, en el cual el jugador, haciendo las veces de creador divino dirigía a su pueblo para acabar con los fieles de otros reinos. Considerado el primer juego de simulación, mismos que gobiernan las consolas actuales.

Partiendo de esta premisa, es mucho lo que podemos inferir del proyecto del italiano, ideas que concreta en su nuevo disco Azulejos, una vista de explorador a los sonidos de América que no deja indiferente a ningún amante de la pista de baile.

Para la escena que nos concierne descubrimos una colaboración en Azulejos que da luces sobre los bordes dorados de esta exploración. En Azul Oro interviene nuestra querida Ela Minus (quien por estos días estrenaba su nuevo sencillo), entonando un canto de alquimia con su voz delicada: "El azul del mar cambia / Cambia / El azul del cielo cambia, cambia / Y el azul de mis ojos se vuelve oro". Mismo puede ser objeto de apropiación sonora, la mezcla de Populous es infecciosa y misteriosa mientras se mantiene rítmica y aventurera, construyendo una excelente ruta para las programaciones de la colombiana.



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